Die Geschichte der Skulptur

Seit Jahrtausenden hat die Skulptur viele Rollen im menschlichen Leben eingenommen. Die früheste Skulptur wurde wahrscheinlich angefertigt, um Jägern magische Hilfe zukommen zu lassen. Nach dem Beginn der Zivilisation wurden Statuen verwendet, um Götter darzustellen. Alte Könige, möglicherweise in der Hoffnung, sich selbst unsterblich zu machen, ließen Gleichnisse schnitzen, und die Porträtskulptur wurde geboren. Die Griechen machten Statuen, die perfekt geformte Männer und Frauen darstellten. Die frühen Christen schmückten die Kirchen mit Dämonen und Teufeln und erinnerten so die vielen Kirchgänger an das Böse, die weder lesen noch schreiben konnten.

Von den Anfängen bis zur Gegenwart war die Skulptur weitgehend monumental. Im 15. Jahrhundert wurden Denkmäler für biblische Helden auf den Straßen italienischer Städte errichtet, und im 20. Jahrhundert wurde im Herzen von New York City ein Denkmal für einen Songschreiber errichtet. Große Springbrunnen mit Skulpturen im Zentrum sind neben modernen Wolkenkratzern genauso selbstverständlich wie an den Höfen alter Paläste. Die alten Sumerer feierten den militärischen Sieg mit Skulpturen. Die Teilnehmer des Zweiten Weltkriegs verwendeten auch Skulpturen, um ihre Soldaten zu ehren.

Prähistorische SkulpturDie Skulptur ist vielleicht die älteste der Künste. Menschen, die geschnitzt wurden, bevor sie Häuser bemalten oder entwarfen. Die frühesten Zeichnungen wurden wahrscheinlich in Fels gemeißelt oder in die Erde eingeschnitten (zerkratzt). Daher waren diese Zeichnungen sowohl Vorläufer der Reliefskulptur als auch der Malerei.

Nur wenige Objekte überleben, um zu zeigen, wie Skulptur vor Tausenden von Jahren war. Es gibt jedoch Hunderte von neueren Beispielen für Skulpturen von Menschen, die in primitiven Kulturen leben. Diese Beispiele mögen der prähistorischen Skulptur ähnlich sein.

Anhand der jüngsten primitiven Skulptur und der wenigen erhaltenen prähistorischen Stücke können wir beurteilen, dass die prähistorische Skulptur niemals schön gemacht wurde. Es wurde immer gemacht, um in Ritualen verwendet zu werden. In ihrem ständigen Kampf ums Überleben machten die frühen Menschen Skulpturen, um spirituelle Unterstützung zu bieten.

Figuren von Männern, Frauen und Tieren und Kombinationen von all diesen dienten dazu, die seltsamen und manchmal beängstigenden Kräfte der Natur zu ehren, die als böse oder gute Geister verehrt wurden. Seltsam geformte Figuren müssen Gebete für starke Söhne, gute Ernten und reichlich Wild und Fisch dargestellt haben. Skulpturen in Form von Masken wurden von Priestern oder Medizinmännern in Tänzen getragen, um böse Geister zu vertreiben oder um Gunst von Guten zu bitten.

Skulptur in der Antike

Die frühesten Zivilisationen Ägyptens, Mesopotamiens, des Industals und Chinas entwickelten um 3000 v. Chr. Allmählich Schriftformen. Die Menschen dieser Zivilisationen drückten ebenso wie ihre prähistorischen Vorfahren tief empfundene Überzeugungen von der Skulptur aus.

Ägypten

Die ägyptische Skulptur und die gesamte ägyptische Kunst beruhten auf dem Glauben an ein Leben nach dem Tod. Der Körper des ägyptischen Herrschers oder Pharaos wurde sorgfältig aufbewahrt, und Waren wurden mit ihm begraben, um für immer für seine Bedürfnisse zu sorgen. Die Pyramiden, große monumentale Gräber von Gizeh, wurden für die mächtigsten frühen Herrscher gebaut. Der Pharao und seine Frau wurden in Kammern begraben, die tief in die riesigen Steinblöcke eingeschnitten waren.

Lebensgroße und noch größere Statuen aus Schiefer, Alabaster und Kalkstein waren so regelmäßig und einfach in der Form wie die Gräber selbst. Diese Statuen wurden in den Tempeln und in den Grabkammern aufgestellt und waren Bilder der Herrscher, der Adligen und der Götter, die von den Ägyptern verehrt wurden. Die Ägypter glaubten, dass der Geist des Verstorbenen immer zu diesen Bildern zurückkehren könne. Hunderte kleinerer Statuetten aus Ton oder Holz zeigten Menschen, die mit allen normalen Handlungen des Lebens beschäftigt waren: Brot kneten, segeln, Rinder zählen. Diese Statuetten waren erstaunlich naturgetreu. In Reliefs geschnitzte und in Grabkammern oder an Tempelwänden gemalte Szenen schilderten das ägyptische Leben in seiner ganzen Vielfalt.

Ägyptische Bildhauer präsentierten ihre Ideen immer klar und deutlich. Der Pharao oder Adlige wird größer gemacht als weniger wichtige Menschen. In der Reliefskulptur wird jeder Teil einer Figur deutlich dargestellt. Ein geradeaus blickendes Auge wird gegen das Profil eines Gesichts gelegt, der obere Teil des Körpers zeigt nach vorne und die Beine befinden sich wieder im Profil.

Die Ägypter kombinierten häufig Merkmale verschiedener Kreaturen, um Ideen zu symbolisieren. Zum Beispiel wird der menschliche Kopf des Pharaos Khafre zu der hockenden Figur eines Löwen hinzugefügt, um die Große Sphinx zu bilden. Diese Zusammensetzung legt die Kombination von menschlicher Intelligenz und tierischer Stärke nahe.

Ägyptische Bildhauer stellten stehende und sitzende Figuren in der Runde und im Relief her. Änderungen im Stil zeigen veränderte Umstände. Die Porträts der Herrscher des Mittleren Reiches (2134-1778 v. Chr.) Verlieren die Kraft und Vitalität ihrer Vorfahren in Gizeh. Die Gesichter sind gezeichnet, traurig und müde. In der Zeit von Ägyptens größter Macht, dem Neuen Reich (1567-1080 v. Chr.), Kehrt eine größere Energie und Kraft zurück. Kolossale Gestalten wie die von Ramses II. Am Eingang zu seinem Grab in Abu Simbel sind breit, mächtig und gebieterisch. Ein kleineres Porträt von Ramses II zeigt die glatte Oberfläche, die präzise Verarbeitung und die Eleganz der späten Kunst des Neuen Reiches.Mesopotamien

Das “Land zwischen den Flüssen”, Mesopotamien, hatte eine viel weniger stabile Gesellschaft als Ägypten und es fehlten Ägyptens riesige Mengen an Stein für monumentale Skulpturen. Seine Städte wurden oft durch Überschwemmungen und einfallende Armeen zerstört.

Die frühesten Beispiele für Skulpturen in dieser Region bestanden aus leichten Materialien: gebrannter und ungebrannter Ton, Holz oder Kombinationen aus Holz, Muscheln und Blattgold. Eine Gruppe von Steinfiguren aus Tell Asmar zeigt Götter, Priester und Anbeter auf eine Weise, die sich stark von der ägyptischen Skulptur unterscheidet. Diese Figuren sind kegelförmig, mit weit aufragenden Röcken, kleinen Köpfen, riesigen, schnabelartigen Nasen und großen, starren Augen.

Steinskulpturen aus so stark befestigten Stadtpalästen wie Ninive, Nimrud und Khorsabad zeigen den aggressiven, kriegerischen Charakter der späteren Eroberer dieser Region (10. Jahrhundert v. Chr.), Der Assyrer. An den Eingängen ihrer Paläste platzierten die Assyrer riesige Symbole der Macht und Majestät des Königs in Form kolossaler Wächtermonster – fünfbeinige, geflügelte Stiere mit menschlichen Köpfen. Reliefierte Steinplatten mit Szenen von Jagden, Schlachten, Siegesbanketten und zeremoniellen Ritualen wurden entlang der unteren Wände in den Palästen platziert.

Eine größere Leichtigkeit und Brillanz kann in einem noch späteren Zentrum dieser Region, Babylon, gesehen werden. Die Babylonier verwendeten in ihren Reliefs bunte Kacheln.

Persische Eroberer, die Babylon im 6. Jahrhundert v. Chr. Besetzten, brachten eine Tradition der Handwerkskunst mit. Diese Fähigkeit blieb bestehen, als sie weiterhin hervorragende Designs in Bronze und Gold schufen. Manchmal sind die Entwürfe rein abstrakte Ornamente; manchmal sind sie Tierformen, die frei zu anmutigen Figuren geformt sind. Die Reliefskulptur aus dem großen Palast von Darius in Persepolis (begonnen um 520 v. Chr.) Weist einige assyrische Merkmale auf. Die Figuren haben Köpfe mit dicht gewelltem Haar und Bärten. Flache Bereiche, die von scharf geschnittenen Linien begrenzt werden, stehen im Kontrast zu reich gemusterten. Die Figuren in dieser Skulptur sind sanft geschwungen und gerundet; Vorhänge sind fein und leicht.

Die einfachen, natürlichen Bewegungen dieser Figuren, die in stattlichen Prozessionen an den Wänden des Palastes von Persepolis entlang marschieren, spiegeln möglicherweise die Eigenschaften der originellsten Bildhauer der Epoche (6. Jahrhundert v. Chr.) Wider, der Griechen.Ägäische Zivilisation Von der farbenfrohen minoischen Zivilisation auf der Insel Kreta sind nur wenige Skulpturen erhalten. Elfenbein und Terrakotta; kleine Statuetten von Schlangengöttinnen, Priesterinnen und Akrobaten; und Tassen mit Szenen wie einem Stier, der in einem Netz gefangen ist, oder Erntemaschinen, die von den Feldern zurückkehren, geben lebhafte Hinweise auf Minoer in Aktion.

Von der farbenfrohen minoischen Zivilisation auf der Insel Kreta sind nur wenige Skulpturen erhalten. Elfenbein und Terrakotta; kleine Statuetten von Schlangengöttinnen, Priesterinnen und Akrobaten; und Tassen mit Szenen wie einem Stier, der in einem Netz gefangen ist, oder Erntemaschinen, die von den Feldern zurückkehren, geben lebhafte Hinweise auf Minoer in Aktion.

Die Macht ging von Kreta auf das Festland über, aber es wurden nur wenige Skulpturen von Orten wie Tiryns oder Mykene gefunden. Das Löwentor in Mykene (um 1250 v. Chr.) Mit seinen zwei massiven Tieren, die den Eingang zur befestigten Stadt bewachen, ist eine außergewöhnliche monumentale Skulptur aus dieser Zeit. Die geschlagene Goldmaske von Agamemnon ist für ihre Anregung der großen Helden der homerischen Legenden denkwürdig. Die Maske wurde mit goldenen Bechern, Dolchen, Brustpanzern und anderen Gegenständen in den Gräbern und Schachtgräbern von Mykene begraben gefunden.

Griechische Skulptur

Um 600 v. Chr. Entwickelte Griechenland eine der großen Zivilisationen in der Geschichte der Welt. Die Skulptur wurde für die Griechen zu einer der wichtigsten Ausdrucksformen.

Der griechische Glaube, dass “der Mensch das Maß aller Dinge ist”, wird nirgends deutlicher gezeigt als in der griechischen Bildhauerei. Die menschliche Figur war das Hauptthema aller griechischen Kunst. Ab dem späten 7. Jahrhundert v. Chr. Suchten Bildhauer in Griechenland ständig nach besseren Möglichkeiten, die menschliche Figur darzustellen.

Die Griechen entwickelten eine stehende Figur eines nackten Mannes, den Kouros oder Apollo. Die Kouros dienten zur Darstellung von Göttern und Helden. Die Kore, oder stehende Figur einer drapierten Frau, war anmutiger und wurde verwendet, um Mädchen und Göttinnen darzustellen. Die geflügelte weibliche Figur oder Nike wurde zur Personifikation des Sieges.

Die Tatsache, dass die griechischen Bildhauer ihre Kräfte auf eine begrenzte Anzahl von Problemen konzentrierten, hat möglicherweise dazu beigetragen, die raschen Veränderungen in der griechischen Bildhauerei zwischen dem 7. und dem späten 4. Jahrhundert v. Chr. Herbeizuführen. Der Wandel von der Abstraktion zum Naturalismus, von einfachen Figuren zu realistischen , fand in dieser Zeit statt. Spätere Figuren haben normale Proportionen und stehen oder sitzen leicht in perfekt ausbalancierten Posen.

Die Historiker haben eine Reihe von Begriffen eingeführt, um die wichtigsten Veränderungen in der Entwicklung der griechischen Skulptur und der griechischen Kunst im Allgemeinen aufzuzeigen. Die frühe oder archaische Phase dauerte ungefähr 150 Jahre, von 625 bis 480 v. Chr. Auf eine kurze Pause, die als frühe Klassik oder schwere von 480 bis 450 v. Chr. Bezeichnet wurde, folgte ein halbes Jahrhundert klassischer Skulptur. Die späte Klassik weist auf griechische Kunst hin, die zwischen 400 und 323 v. Chr. Hergestellt wurde, und die hellenistische Kunst wurde zwischen 323 und 146 v. Chr. Hergestellt

Die wichtigste Funktion der griechischen Skulptur war es, Götter und Göttinnen zu ehren. Statuen wurden in Tempel gestellt oder als Teil eines Tempels geschnitzt. Griechische Tempel waren Schreine, die geschaffen wurden, um die Götterbilder zu bewahren. Die Leute beteten draußen an.

Die griechische Skulptur veränderte sich mit der griechischen Zivilisation. Praxiteles Hermes ist schlanker und eleganter als der kräftige SpearBearer von Polykleitos. Figuren von Skopas aus dem Mausoleum von Halikarnassos sind schärfer und dramatischer als die ruhigen, kontrollierten Figuren von Phidias.

Hellenistische Bildhauer betonten die menschliche Figur. Sie reflektierten die großen Veränderungen in ihrer Welt, als sie Themen, die traditionell von früheren griechischen Bildhauern bevorzugt wurden, auf neue Weise behandelten. Ein neues Interesse entwickelte sich in den Lebensphasen von der Kindheit bis zum extremen Alter. Bildhauer beschrieben ihre Figuren so natürlich und genau wie möglich. Eine kranke alte Frau humpelt schmerzhaft vom Markt zurück; ein kleiner Junge drückt fast eine arme Gans zu Tode.

Die Griechen wurden von den Römern besiegt, aber der hellenistische Stil hielt Jahrhunderte an. Die griechische Skulptur überlebte, weil die Römer von der griechischen Kunst sehr beeindruckt waren. Seit den Anfängen der Republik importierten die Römer Beispiele griechischer Kunst, bestellten Kopien berühmter griechischer Werke und beauftragten griechische Bildhauer mit der Ausführung römischer Fächer.

Etruskische und römische Skulptur

Griechische Skulpturen und griechische Kunst wurden lange vor der Herrschaft der Römer nach Italien exportiert. Im 7. und 6. Jahrhundert v. Chr. Siedelten sich die Etrusker fest in Italien an. Hunderte von Objekten wurden und werden auf riesigen etruskischen Friedhöfen gefunden. Einige der Skulpturen und viele Vasen sind griechisch, andere sind lebhafte etruskische Übersetzungen griechischer Formen. Viele kleine Bronzefiguren von Bauern, Kriegern oder Göttern zeigen die großen Talente der Etrusker als Metallarbeiter und Bildhauer.

Rom profitierte vom doppelten künstlerischen Erbe der griechischen und etruskischen Skulptur. Der Erfindungsreichtum der römischen Bildhauer trug zu diesem Erbe bei. Die wichtigsten Beiträge der römischen Bildhauer waren Porträts.

Die Entwicklung der römischen Skulptur war die Umkehrung der griechischen Skulptur. Anstatt von relativ einfachen, abstrakten Formen zu natürlicheren und realistischeren Statuen überzugehen, wurde die römische Skulptur, die einmal realistisch war, viel einfacher und abstrakter.Frühchristliche Skulptur

Die frühchristliche Skulptur ähnelte der Kunst Roms. Sarkophage (Grabkisten), die in Italien gefunden werden, sind alle römischer Art, obwohl sie durch Themen, Zeichen oder Symbole, die für Christen wichtig sind, eine besondere Bedeutung erhalten.

Skulptur war jedoch für die frühen Christen keine natürliche Ausdrucksform. Dies lag daran, dass eines der Zehn Gebote die Herstellung von geschnitzten Bildern verbietet. Viele frühe Christen interpretierten dieses Gebot genauso wie die Hebräer, um zu bedeuten, dass es falsch war, irgendwelche Bilder von der menschlichen Figur zu machen. Schließlich beschlossen die Kirchenbehörden, dass Kunst dem Christentum dienen könne. Nur die Herstellung von Götzen (falschen Göttern) wurde als Verstoß gegen das Gebot angesehen.

Im 5. Jahrhundert n. Chr. Fiel die westliche Hälfte des Römischen Reiches an einfallende germanische Stämme aus Nord- und Mitteleuropa. Diese Völker wurden bald Christen und verbreiteten die Religion in ganz Europa. Anders als die Römer hatten die Germanen keine Tradition menschlicher Repräsentation in der Kunst. Ihre Kunst bestand hauptsächlich aus komplexen Mustern und Formen, die zur Dekoration verwendet wurden. Es beeinflusste die christliche Kunst ebenso wie die griechisch-römische Kunst.

Es gibt relativ wenige Beispiele für Skulpturen, die in den ersten 1000 Jahren des Christentums angefertigt wurden. Unter diesen seltenen Beispielen befinden sich tragbare Altäre, Reliquien (Behälter für die Überreste christlicher Heiliger und Märtyrer), Kelche und andere Gegenstände, die im Dienste des christlichen Gottesdienstes verwendet werden. Diese wurden mit größter Sorgfalt geformt und oft aus wertvollen Materialien gefertigt. Die Bildhauer verwendeten das zerbrechliche und liebenswerte Medium Elfenbein auf vielfältige Weise. Sie schnitzten es als Relief für kleine Altäre oder als Abdeckung für die Evangelien, die Bibel oder Gebetbücher. Kleine, freistehende Figuren stellten die Madonna und das Christkind, Engel oder christliche Heilige dar.Romanische Skulptur

Ein neues und brillantes Kapitel der christlichen Kunst begann nach dem Jahr 1000. In den nächsten drei Jahrhunderten schufen Bildhauer, Architekten, Maurer, Zimmerleute und Hunderte anderer Handwerker einige der eindrucksvollsten christlichen Kirchen, die je gebaut wurden.

Diese Künstler arbeiteten in einem mutigeren und größeren Maßstab als es seit Hunderten von Jahren möglich war. Für ihre Ideen suchten sie die besten Beispiele für großartige Strukturen, die sie kannten – römische Gebäude. Der Begriff “Romanik” suggeriert die römischen Qualitäten der Kunst des 11. und 12. Jahrhunderts. Wichtige Änderungen wurden von diesen späteren Künstlern vorgenommen. Deutsche romanische Kirchen unterscheiden sich von italienischen und spanische von französischen. Ideen zum Schnitzen, Bauen und Malen liefen frei im Umlauf, denn die Menschen pilgerten oft, um an heiligen Orten in verschiedenen Ländern zu beten.

Ein Beispiel romanischer Skulptur aus dem frühen 11. Jahrhundert zeigt, wie römische Ideen übersetzt wurden. Die Bronzetüren des Hildesheimer Doms haben zehn Tafeln mit Szenen aus der Bibel. Die Platzierung, der Zweck und die Anordnung dieser großen Türen erinnern deutlich an die Tore von Santa Sabina in Rom aus dem 5. Jahrhundert. Die Details sind jedoch unterschiedlich. Kleine Figuren drehen und drehen sich frei. Ihre Köpfe und Hände sind vergrößert und stehen von der Oberfläche des Reliefs ab.Gotische Skulptur

Die Skulptur nach dem 12. Jahrhundert wandelte sich allmählich von klaren, konzentrierten Abstraktionen romanischer Kunst zu einem natürlicheren und naturgetreueren Erscheinungsbild. Menschliche Figuren in natürlichen Proportionen wurden auf Säulen und Portalen der Kirche hochreliefiert.

Mit zunehmender Kompetenz gotischer Bildhauer gewannen sie auch mehr Freiheit und Unabhängigkeit. Spätgotische Figuren sind wesentlich realistischer dargestellt als jene aus der Romanik und der Frühgotik. Die Gesichter der Statuen sind ausdrucksvoll und ihre Gewänder auf natürliche Weise drapiert. Hunderte von Schnitzereien in den großen gotischen Kathedralen Westeuropas zeigten Aspekte des christlichen Glaubens, die jeder Christ verstehen konnte.

Die große Ära des Bauens ging zu Beginn des 14. Jahrhunderts zu Ende. Eine Reihe von Kriegen und Krisen verhinderte den Bau von mehr als kleinen Kapellen und einigen Ergänzungen früherer Strukturen. Man findet nur kleine Statuetten und Gegenstände, die für private Andachten verwendet werden, anstelle der großen Programme monumentaler Skulptur, die im 13. Jahrhundert Kathedralen wie die von Amiens, Paris, Reims, Wells, Burgos und Straßburg bereichert hatten.Renaissance-Skulptur

Die italienische Halbinsel, die an der Kreuzung mehrerer Welten ins Mittelmeer ragte, war das Herz des Römischen Reiches. Rom war das Zentrum der westlichen christlichen Welt. Später wurde Nordostitalien – insbesondere Venedig – zum Tor zum Nahen Osten und zum Orient. Italienische Künstler haben die gotischen Stile, die die Kunst in Westeuropa beherrschten, nie vollständig akzeptiert. Der Grund dafür ist, dass italienische Künstler von den Überresten der klassischen Zeit umgeben waren und dem östlichen Einfluss der byzantinischen Kunst ausgesetzt waren. (Der Artikel Byzantinische Kunst und Architektur ist in dieser Enzyklopädie zu finden.)

Bereits im 13. Jahrhundert haben die Italiener die Saat einer neuen Zeit gepflanzt: der Renaissance. Obwohl die Elemente der mittelalterlichen und byzantinischen Kunst wesentlich zur Entstehung der Renaissance-Skulptur beitrugen, waren italienische Künstler daran interessiert, die klassische Herangehensweise an die Kunst wiederzubeleben. (“Renaissance” bedeutet “Wiedergeburt”.)

Die bedeutendste Veränderung in der Kunst, die in der Renaissance stattfand, war die neue Betonung der Verherrlichung der menschlichen Figur. Die Skulptur war nicht länger nur für idealisierte Heilige und Engel gedacht. geformte Figuren begannen naturgetreuer auszusehen.

Die Reliefskulptur von Nicola Pisano (1220-84) prognostiziert das neue Zeitalter. Im späten 13. Jahrhundert schnitzte Pisano nackte männliche Figuren auf einer Kirchenkanzel. (Die Aktfigur war seit dem Fall Roms nicht mehr in der Bildhauerei verwendet worden.) Obwohl Pisano offensichtlich versuchte, die Heldenfiguren der klassischen Kunst zu kopieren, wusste er wenig über die menschliche Anatomie und sein Werk war immer noch wie byzantinische und mittelalterliche Skulpturen proportioniert.

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts war die Renaissance in vollem Gange. Der Bildhauer Donatello schuf den ersten freistehenden Akt seit der Klassik, eine Bronzefigur Davids. Donatello verstand die ganze Anatomie der Figur so gut, dass er dem jungen biblischen Helden eine Leichtigkeit und Gewissheit geben konnte. Zu Beginn des 16. Jahrhunderts war das skulpturale Erbe eines anderen Florentiner, des großen Malers und Bildhauers Michelangelo Buonarroti, derart, dass seine Version von David in seiner Kraft und Stärke fast übermenschlich ist.

Donatello und seine Zeitgenossen Lorenzo Ghiberti (1378-1455) und Jacopo della Quercia (1378? -1438) machten sich zum Meister sowohl der freistehenden menschlichen Figur als auch der Reliefskulptur. Jacopos Steinplatten in San Petronio, Bologna, sind kraftvoll und emotional. Ghibertis berühmte Bronzetüren des Baptisteriums in Florenz zeigen seine Kontrolle über die Wissenschaft der Perspektive und seinen meisterhaften Umgang mit der menschlichen Figur.

Eine Vielzahl von Bildhauern arbeitete mit diesen Männern zusammen und bildete wiederum jüngere Bildhauer aus. Ihre individuellen Talente waren unterschiedlich und wurden auf eine Reihe verschiedener skulpturaler Probleme angewandt. Christliche Themen waren weiterhin wichtig, aber auch Brunnen, Porträts, Gräber, Reiterstatuen und Motive der klassischen Mythologie wurden geschaffen, um einer lebhaften Nachfrage gerecht zu werden. Luca della Robbia (1400? -82) und andere entwickelten ein neues Medium – glasierte Terrakotta. Es war ein beliebter und attraktiver Ersatz für den teureren Marmor.

Michelangelo wurde zweifellos die dominierende Figur in der Skulptur des 16. Jahrhunderts, und er wird von vielen Menschen als die größte Einzelfigur in der Kunstgeschichte angesehen. Alle seine Skulpturen, von der frühen, wunderschön verarbeiteten Pietà bis zum tragischen Fragment der Rondanini Pietà, die bei seinem Tod unvollendet blieb, wurden mit Geschick und Kraft angefertigt. Michelangelos Zeitgenossen und die Bildhauer, die in späteren Jahren in Italien und anderswo lebten, entwickelten einen eleganteren, dekorativeren Stil, der auf einer glatten, präzisen Oberfläche und komplexen, kunstvollen Designs beruhte. Dieser Stil wurde Manierismus genannt.Barocke Skulptur

Die Bildhauer des 17. Jahrhunderts beschäftigten sich weiterhin mit den unterschiedlichsten bildhauerischen Problemen ihrer Renaissance-Vorgänger und verwendeten die menschliche Figur als Ausdrucksform. Sie reagierten jedoch gegen den Manierismus der Bildhauer des späten 16. Jahrhunderts. Sie bemühten sich stattdessen um eine Rückkehr zu Michelangelos größerer Stärke und der Energie und Beweglichkeit der Skulptur aus dem 15. Jahrhundert.

Giovanni Lorenzo Bernini (1598-1680) war wie Michelangelo ein begabter Künstler. In einer langen und produktiven Karriere wurde er in einer brillanten und kreativen Zeit leicht zur dominierenden Figur in seinem eigenen Land und zu einem der größten Künstler in Europa. Berninis David offenbart seine Bewunderung für Michelangelo und seine eigene Originalität. Es hat die Größe und Stärke von Michelangelos David, ist aber eine viel aktivere und weniger tragische Figur. Berninis Figuren stehen in dramatischen Posen – als wären sie Schauspieler auf einer Bühne, die den Betrachter erreichen. Infolgedessen fühlen wir uns von ihnen und ihrer Gnade angezogen.

Rokokoskulptur

Die Grundqualitäten der Kunst des 17. Jahrhunderts wurden in das 18. Jahrhundert übertragen, aber für den Geschmack einer anderen Generation transformiert. Der Begriff “Rokoko” deutet auf die Vorliebe für schillernde, leichtere und dekorativere Effekte in der Skulptur und in allen Künsten hin.

Jean Baptiste Pigalle (1714-85) und Étienne Maurice Falconet (1716-91) zeigen die gleiche technische Fingerfertigkeit wie Bernini, aber ihre Figuren sind leicht und fröhlich. Das Können, das sich in ihrer filigranen Arbeit mit ihren winzigen, süß geformten Figuren und ihrer anmutigen Bewegung zeigt, ist eine deutliche Abkehr von der starken religiösen Intensität von Berninis Arbeit.

Statuetten und Statuen kleiner Gruppen wurden als angenehme und oft witzige Ergänzungen zu schönen Räumen entworfen. Die individuellen Talente der Bildhauer und deren gemeinsames Bemühen sorgten für eine ornamentale Wirkung. Die gleiche Brillanz und Geschicklichkeit schuf auch eine Gruppe wunderschöner Kirchen in Süddeutschland.Neoklassische und romantische Skulptur

Das Pendel des Geschmacks schlug im späten 18. Jahrhundert eine neue Richtung ein, als Clodion (1738-1814) und andere Rokoko-Bildhauer noch aktiv waren. Diese Richtung, die als neoklassisch bezeichnet wurde, um die bewusste Rückkehr zu klassischen Themen und Stilen zu beschreiben, hielt fast ein Jahrhundert lang an. Die Veränderung ist in der Arbeit des angesehenen Bildhauers Jean Antoine Houdon (1741-1828) zu sehen. Seine Statue von George Washington könnte mit einem Porträt eines römischen Kaisers verglichen werden.

Die herausragendste Figur der neoklassizistischen Skulptur war der Italiener Antonio Canova (1757-1822). Canova war ein Liebling der Könige und Adligen Europas. Seine Spezialität war das Denkmal, in dem ein Staatsmann oder eine andere wichtige Persönlichkeit in die Roben und Girlanden klassischer Figuren gekleidet war. Canova ahmte ehrlich gesagt antike Bildhauer nach. Seine Perseus und The Pugilists werden im Vatikan mit antiker klassischer Skulptur ausgestellt.

Während des 19. Jahrhunderts lehnten sich viele Bildhauer gegen die neoklassizistische Tradition auf. Sie wollten, dass ihre Kunstwerke etwas sagen, eine Idee oder ein Gefühl ausdrücken. Sie wollten die Natur kopieren, nicht die Werke anderer Bildhauer. François Rude (1784-1855) reagierte als einer der ersten gegen die Kälte des neoklassizistischen Stils.

Eine Intensität der Emotionen erweckt das Werk von Antoine Louis Barye (1795-1875) zum Leben. Der Jaguar, der einen Hasen verschlingt, ist eine aufregende Szene von Konflikten und gewaltsamen Kämpfen.Rodin

Obwohl die romantische Bewegung wuchs, zogen es viele Künstler vor, in der klassischen Tradition der Akademien zu arbeiten. In den 1860er Jahren wurde ein junger Bildhauer namens Auguste Rodin dreimal von der École des Beaux-Arts, der Akademie in Paris, abgewiesen. Bis zum Ende des Jahrhunderts war er der berühmteste Bildhauer in Frankreich und in den meisten Teilen Europas.

Obwohl Rodin versuchte, die Natur zu kopieren, verwendete er viele neue Techniken. Sowohl die Vertiefungen als auch die Erhöhungen einer Oberfläche waren für Rodin wichtig. Er experimentierte mit den Auswirkungen von Licht auf die Oberfläche von Formen, so wie es die Impressionisten in der Malerei taten. Er schnitzte Figuren im Schatten oder tauchte aus einem unfertigen Block auf. Ob er den häuslichen Mut der Untertanen in Burghers of Calais oder die Geliebten in The Kiss lobte – ihre Köpfe schattierten -, Rodin schlug die natürlichen, ungestalteten Momente im Leben vor.

Skulptur des 20. Jahrhunderts

Das 20. Jahrhundert war ein Zeitalter des Experimentierens mit neuen Ideen, neuen Stilen und neuen Materialien. Studien der menschlichen Figur haben neuen Themen Platz gemacht: Träume, Ideen, Emotionen und Studien von Form und Raum. Verwendet wurden Kunststoff, Chrom und geschweißter Stahl sowie Kisten, kaputte Autoteile und alte Möbelstücke.

Die Bildhauer des 20. Jahrhunderts schuldeten Rodin viel. Seine enorme Leistung und Vielfalt inspirierte eine neue Generation von Bildhauern, neue Gedanken in einer Kunstform auszudrücken, die seit 200 Jahren alte Ideen wiederholte. Obwohl Rodins Nachfolger dazu neigten, sich sowohl von seinem Realismus als auch von seinen literarischen Themen zu entfernen, hatten seine Innovationen einen wichtigen Einfluss. Aristide Maillol (1861-1944) lehnte Rodins raue Oberflächen ab. Die glatten Figuren von Maillols Stein- und Bronzearbeiten scheinen in ruhiger Ruhe zu ruhen.

Während sich Künstler der Renaissance von den wiederentdeckten Werken des klassischen Griechenlands und Roms inspirieren ließen, blickten Künstler des 20. Jahrhunderts auf die einfachen und kraftvollen Formen der primitiven afrikanischen und ozeanischen Kunst. Der deutsche Bildhauer Wilhelm Lehmbruck (1881-1919) begann unter dem Einfluss von Maillol. Später verzerrte Lehmbruck seine Figuren, indem er sie unnatürlich lang in der Art der primitiven Kunst machte. Die Gesichter der Frauen von Gaston Lachaise (1882-1935) lassen auf die Skulptur des alten Indien schließen. Die runden, festen und massiven Körper scheinen die Vitalität der Frau zu symbolisieren.

Constantin Brancusi (1876-1957), ein Rumäne, der hauptsächlich in Paris arbeitete, verband rumänische Volkstraditionen mit der Einfachheit afrikanischer Holzschnitzerei und orientalischer Skulptur. Brancusi suchte absolute Einfachheit der Form und Reinheit der Bedeutung. Diese Einfachheit und Reinheit findet sich in Werken wie New-Born und Bird in Space .

Pablo Picasso, einer der größten Bildhauer und vielleicht der größte Maler des 20. Jahrhunderts, sah eine andere Qualität in der primitiven Kunst. In der Einfachheit der Formen sah er, dass Objekte der Natur nicht unbedingt feste Massen sind, sondern aus Kreisen, Quadraten, Dreiecken und Würfeln bestehen. Dies führte zu einem Stil namens Kubismus, der von Picasso und Georges Braque entwickelt wurde. Picassos Frauenkopf (1909) ist eine der ersten kubistischen Skulpturen. Darin teilte Picasso die Oberfläche eines Kopfes in viele verschiedene Ebenen.

Jacques Lipchitz (1891-1973) war mit Picasso und Brancusi einer der einflussreichsten Bildhauer des 20. Jahrhunderts. Seine kraftvollen Bronzeformen zeigen sein Verständnis des Kubismus und der einfachen Stärke der afrikanischen Kunst sowie aller anderen Bewegungen in der Kunst des 20. Jahrhunderts.

Als der Erste Weltkrieg begann, war die Atmosphäre in Europa besorgt. Einige Künstler spiegelten die Spannungen der unruhigen Zeiten in einer neuen Kunstform namens Dada wider – bedeutungslos, nichts darstellend und im Gegensatz zu jeder anderen Kunst. “Gefundene Gegenstände” und Haushaltsgegenstände wie die Waschbecken und Kleiderbügel von Marcel Duchamp (1887-1968) wurden als Skulptur ausgestellt. Gleichzeitig war eine Gruppe italienischer Künstler, die Futuristen genannt wurden, vom Tempo des Maschinenzeitalters begeistert. Ihre Skulptur zeigte Objekte in Bewegung. Umberto Boccioni (1882-1916) war ein führender Futurist.

Nach dem Ersten Weltkrieg entwickelte sich die Bewegung namens Surrealismus. Viele Künstler, die Kubisten oder Dadaisten gewesen waren, wurden Surrealisten. Zu dieser Bewegung gehört das Werk von Jean Arp (1887-1966) mit seinen phantasievollen Formen, die im Raum zu schweben scheinen.

In den 1920er und 1930er Jahren bauten die Konstruktivisten ihre Skulpturen, anstatt sie zu schnitzen oder zu modellieren. Die Schönheit der reinen Form und des Raumes erregte sie. Die russischen Brüder Naum Gabo (1890-1977) und Antoine Pevsner (1886-1962) verwendeten Klingen aus Metall und Kunststoff, um einen Effekt von Leichtigkeit und Transparenz zu erzielen. Julio Gonzalez (1876-1942) führte die Verwendung von Schmiedeeisen ein. Der enorme Einfluss seiner Technik zeigt sich insbesondere in der Arbeit von Picasso, einem Schüler Gonzalez ‘in der Schweißtechnik.

Mit der Entwicklung der modernen Skulptur wurde sie immer individualistischer, obwohl sie immer noch der Vergangenheit verpflichtet war. Die langen, dünnen Figuren von Alberto Giacometti (1901-66) scheinen allein in einer Welt ohne Grenzen zu wandern. Alexander Calder (1898-1976) schuf bewegliche Skulpturen, sogenannte Mobiles, und stationäre Skulpturen, sogenannte Stabiles. Die Draht- und Metallbandkonstruktionen von Richard Lippold (1915-2002) vermitteln ein Gefühl von zarter Leichtigkeit. Die geometrischen Stahlskulpturen von David Smith (1906-65) haben einen Sinn für Ausgewogenheit und Ordnung, der das Auge erfreut.

In den 1960er und 1970er Jahren entwickelten sich immer neue Stile. Einige Künstler schilderten Motive aus der alltäglichen Welt – die Brillo-Kisten und Suppendosen von Andy Warhol (1928-87), die surrealistischen Kisten von Joseph Cornell (1903-72), die Gips-Hamburger und die “weichen Schreibmaschinen” von Claes Oldenburg (1929-). Andere kombinierten Malerei, Skulptur und “Fundstücke”, wie in der Arbeit von Marisol Escobar (1930-). George Segal (1924-2000) verwendete in alltäglichen Posen Gipsabgüsse menschlicher Figuren. Louise Nevelson (1900-88) kombinierte kleine Einheiten aus Metall und Holz (oft Tisch- und Stuhlbeine, Bettpfosten) zu riesigen Strukturen, die sie “Umgebungen” nannte. Bildhauer wie Barnett Newman (1905-70) und Tony Smith (1912-80) schufen massive Stücke, die oft im Freien gezeigt werden.

Henry Moore (1898-1986), eine dominierende Figur in der Welt der Skulptur, verwendete traditionelle Materialien (Holz, Bronze und Stein), um traditionelle Probleme der Skulptur wie die sitzende und die liegende Figur zu untersuchen. Er glaubte, dass die von einer Skulptur geschaffenen Raumformen für ihre Gestaltung ebenso wichtig sind wie die massiven Formen, und setzte oft Löcher oder Öffnungen in seine Skulpturen ein. Moore kontrastierte auch hell und dunkel, indem er seine Bronzefiguren nach innen und außen krümmte.